Há mais de uma centena de anos que a humanidade contempla um futuro em que robôs são usados para automatizar o trabalho manual. Com a revolução industrial e os avanços constantes na robótica, esse futuro parecia cada vez mais certo. E talvez ainda o seja, mas algo lhe passou à frente. Aquilo que era considerado a essência do que é ser humano foi automatizado antes de termos um robô que consegue tanto descascar batatas como desentupir canos. 

Temos agora modelos de inteligência artificial que conseguem escrever poemas e criar arte visual que passa qualquer teste de Turing artístico. Já não é possível negar a qualidade daquilo que a IA consegue produzir. É possível criticar o autor e a sua falta de “humanidade”, mas não as obras em si. Já li poemas escritos por IA que transmitiam uma compreensão daquilo que é ser humano que ultrapassa a de muitos humanos que já conheci.

Esta é uma mudança de paradigma astronómica, que chegou de mansinho. Durante toda a história da humanidade, fomos a única entidade conhecida capaz de pintar um quadro ou escrever poesia. Há quem considere que só nos tornámos realmente humanos quando começámos a pintar nas paredes das nossas cavernas. Mas subitamente, isto já não nos torna únicos. O monopólio sobre a criação artística foi-nos tirado sem termos tido tempo para pensar no que isso significa.

Imaginámos a destruição da humanidade por robôs como uma revolução física, em que nos atacavam com martelos e picaretas. Mas será que o verdadeiro perigo sempre foi sermos atacados com música, poesia e pintura? 

Deixaram-nos os corpos, mas roubaram-nos a alma.

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For over a hundred years, humanity has contemplated a future where robots are used to automate manual labor. With the industrial revolution and constant advances in robotics, this future seemed increasingly certain. And perhaps it still is, but something has overtaken it. What was considered the essence of being human was automated before we had a robot that can both peel potatoes and unclog pipes.

We now have artificial intelligence models that can write poems and create visual art that passes any artistic Turing test. It is no longer possible to deny the quality of what AI can produce. It is possible to criticize the author and their lack of "humanity," but not the works themselves. I have read poems written by AI that conveyed an understanding of what it is to be human that surpasses that of many humans I have known.

This is an astronomical paradigm shift that arrived quietly. Throughout human history, we have been the only known entity capable of painting a picture or writing poetry. Some believe that we only became truly human when we started painting on the walls of our caves. But suddenly, this no longer makes us unique. The monopoly on artistic creation was taken from us without us having time to think about what that means.

We imagined the destruction of humanity by robots as a physical revolution, in which they attacked us with hammers and pickaxes. But was the real danger always being attacked with music, poetry, and painting?

They left us our bodies, but they stole our souls.

Pedro Miguel da Rocha Fernandes. 

Autor do livro 'Os filhos de Nihil', obra vencedora do prémio literário Lions 2024. Investigador de IA e doutorado no Instituto Superior Técnico / Author of the book 'Os filhos de Nihil' (The Children of Nihil), winner of the 2024 Lions literary prize. AI researcher and PhD holder at Instituto Superior Técnico.

2025 - por ocasião da exposição e apresentação do Livro de Artista 'R.U.R.' no Instituto Camões / On the occasion of the exhibition and presentation of the artist's book 'R.U.R.'

Patrícia Magalhães (Luanda, Angola, 1966) vive e trabalha em Lisboa. Estudou desenho e pintura na Universidade de Belas Artes de Lisboa e no ArCo - Centro de Arte e Comunicação Visual. Como artista visual multidisciplinar, o seu trabalho abrange desenho, pintura, gravura, instalação e fotografia. No intrincado mundo da sua arte, as formas orgânicas emergem como condutos para profundas explorações do tempo, da vida e da morte.

Refletindo sobre a sua jornada criativa, partilha ideias sobre o seu processo, filosofia e a interação entre a sua arte e a vibrante cidade de Lisboa. A sua odisseia criativa começou em meio às paisagens acidentadas da Córsega em 2015, evoluindo para a cativante série 'Filitosa', que foi o centro das atenções na sua última exposição no Museu Geológico, em Lisboa. "Já faz algum tempo que comecei a trabalhar com formas orgânicas como uma analogia de algo que tem sido o tema principal de (quase) todo o meu trabalho: Tempo, Vida e Morte", explica Magalhães.

"O meu trabalho, que se foca em formas orgânicas, é feito em séries que recebem o nome dos lugares onde capturo as referências iniciais. Ao mergulhar nessas paisagens, uma espécie de simbiose acontece entre o que é tangível e o que não é..." O seu processo criativo é uma dança delicada entre manipulação digital e intervenção manual. "Começo por tirar fotos de formas e texturas orgânicas em ambientes naturais", explica. "Em seguida, trabalho essas imagens digitalmente, aproximando-as das imagens que surgiram na minha mente. Finalmente, desenho sobre elas adicionando camadas de complexidade." E acrescenta: "É um processo intrincado e minucioso. Nunca edito as fotografias imediatamente a seguir a capturá-las; preciso sempre de alguma distância temporal para 'digerir' mentalmente todos os estímulos", diz. "Durante essa fase, a narrativa de cada série é definida. Quando finalmente passo a manipular as imagens digitalmente, procuro enquadramentos que tenham as características da narrativa em que pensei."

No seu 'statement' artístico, Magalhães aprofunda-se nos fundamentos filosóficos de sua obra. "Não me interessa representar o que pode ser observado a olho nu, mas sim libertar as forças invisíveis da natureza, as vibrações dos meus pensamentos." Essa filosofia infunde as suas criações com uma ressonância atemporal, convidando o espectador a contemplar os mistérios mais profundos da existência. O conceito de 'duração' é central em sua obra, sendo mesmo uma referência. Ela explica: "O termo 'duração' a que me refiro remete para o conceito de 'la Durée' de Henri Bergson, no qual ele defendeu a ideia de que o Futuro e o Presente simplesmente não existem, que há apenas o Passado. No Tempo, somos, a cada instante, o resultado das nossas experiências passadas."

Esta ideia molda a sua abordagem, combinando o visível com o intangível, capturando momentos que incorporam os seus pensamentos, emoções e sensações. Apesar das suas aventuras globais, Lisboa permanece o coração pulsante da jornada artística de Magalhães. "Nasci em África, mas vim para Portugal ainda muito jovem", reflete. "Estudei e vivi em Lisboa durante a maior parte da minha vida. Foi aqui que desenvolvi a minha prática e que encontrei a minha voz artística." A luz singular da cidade, o delta do rio e as dicotomias culturais influenciam profundamente o seu trabalho. "Lisboa é também a cidade que escolhi para viver e onde tenho meu ateliê, onde adoro trabalhar."

A transição para a dedicação à sua prática artística a tempo integral apresentou alguns desafios. "Temos que fazer escolhas e, às vezes, não é fácil. Eu sempre soube que era isto que eu queria fazer", relembra. "Depois de muitos anos a trabalhar das 9h às 5h, decidi em termos profissionais dedicar-me apenas à minha prática artística. Foi difícil (e ainda é), mas nunca me arrependi."  

Magalhães costuma trabalhar em várias séries simultaneamente, cada uma com seus próprios materiais e técnicas. "No meu processo criativo, há uma primeira fase em que exploro vários temas e decido em quais é que vou trabalhar, e só depois começo aprofundo a investigação", explica. "Como as decisões que vou tomando se fazem em função dos resultados das pesquisas e das referências que vão surgindo e do próprio assunto, a forma que cada obra assume resulta frequenteente diferente em cada série."

Olhando para o futuro, Magalhães mantém o compromisso pessoal de expandir os limites da sua criatividade. "Em termos de carreira, o meu objetivo é simplesmente continuar a fazer o que gosto, que é fazer interpretações visuais dos assuntos que me interessam e, de alguma forma, tentar que o meu trabalho estimule a reflexão em outros." Tem como aspiração o continuar envolvida em iniciativas colaborativas e o aprender e experimentar continuamente novas formas de expressão visual.

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Patrícia Magalhães (Luanda, Angola, 1966) lives and works in Lisbon. She studied drawing and painting at the Lisbon University of Fine Arts and at ArCo - Center for Art & Visual Communication. As a multidisciplinary visual artist, her work spans drawing, painting, etching, installation, and photography. In the intricate world of her art, organic shapes emerge as conduits for profound explorations of time, life, and death. Reflecting on her creative journey, she shares insights into her process, philosophy and the interplay between her art and the vibrant city of Lisbon. Her creative odyssey began amidst the rugged landscapes of Corsica in 2015, evolving into the captivating 'Filitosa' series, which took center stage at her last exhibition at Museu Geológico, in Lisbon. "It's been a while now since I began working around organic shapes as an analogy of something else that has been the main subject of (almost) all of my work: Time, Life, and Death," Magalhães explains.

"My work, which focuses on organic forms, is made in series that take their name from the places where I capture the initial references. As I immerse myself in these landscapes, a kind of symbiosis takes place between what is tangible and what is not..." Her creative process is a delicate dance between digital manipulation and manual intervention. "I start by taking photographs of organic shapes and textures in natural settings," she explains. "Then, I thoroughly work these pictures digitally, bringing them closer to the images that came to life in my head. Finally, I draw on them manually, adding layers of complexity." And she adds:" It's an intricate and thorough process. I never edit the photographs straight away, I always need a few days to mentally 'digest' all the stimuli," she says. "During this phase, the narrative of each series is defined. When I finally move on to digitally manipulate the images, I look for frames that have the characteristics of the narrative outlined in my mind."

In her art statement, Magalhães delves into the philosophical underpinnings of her work. "I'm not interested in representing what can be observed with the naked eye, but I want to release the invisible forces of nature, the vibrations of my thoughts."

This ethos infuses her creation with a timeless resonance, inviting you to contemplate the deeper mysteries of existence. The concept of 'duration' is central to her work, is a referral. She explains, "The term 'duration' in my statement refers to Henri Bergson's concept of 'la Durée' in which he defended the idea that the Future and the Present simply don't exist, that there is only the Past. In Time we are, at every moment, the result of our past experiences." This idea shapes her approach, combining the visible with the intangible, capturing moments that embody her thoughts, emotions, and sensations. Despite her global adventures, Lisbon remains the beating heart of Magalhães' artistic journey. "I was born in Africa but came to Portugal quite young," she reflects. "I've studied and lived in Lisbon for most of my life. It's where I developed my craft and found my artistic voice." Lisbon's unique light, river delta, and cultural dichotomies deeply influence her work. "Lisbon is also the city in which I choose to live and where I have my studio where I love to work."

Transitioning to full-time dedication to her artistic practice presented challenges. "We have to make choices and sometimes it's not easy. I always knew that this was what I wanted to do full-time," she recalls. "After many years working 9 to 5, I decided to devote myself fully to my artistic practice. It was hard (still is) but I've never regretted it." Magalhães often works on multiple series simultaneously, each with its own materials and techniques. "In my creative process, there is a first phase in which I explore various subjects and decide which ones I'm going to work on, and then I start researching," she explains. "As the decisions are made according to the relationship with the research, the references, and the subject of the work, they can be different in each series."

Looking ahead, Magalhães remains committed to pushing the boundaries of her creativity. "In terms of my career, my goal is simply to continue doing what I love, which is to produce visual interpretations of the subjects that interest me and, in some

way, try to provoke reflection in others with my work." She aspires to remain involved in collaborative initiatives and continually learn and experiment with new forms of visual expression.

created by Marguerite Nolan

curated by Amanda Triano

Lisbon edition featured artists: 

Patrícia Magalhães

Marta Sampaio Soares

Franka Struys

Leyla Gediz

ee.mag Lisbon edition

"Sabemos que a linha que separa factos e ficção é cada vez mais ténue. O conceito de "pós-verdade" defende que a subjetividade e as convicções pessoais frequentemente se sobrepõem à realidade objetiva. Pós-verdade não defende a inexistência da 'verdade', propõe antes que esta é secundária ou irrelevante nas estratégias (políticas e dos media) de poder. O projecto de Patrícia Magalhães explora e reflete sobre esta ideia de construção da verdade, questionando se a verdade é uma impossibilidade, e se existe apenas enquanto perspectivas e interpretações pessoais. A arte é exatamente o lugar onde é possível desmascarar e questionar o conceito de verdade, e ao fazê-lo abrir novas possibilidades de compreensão do mundo e de releituras do passado. Ao destabilizar o que outrora se considerava inequivocamente como "verdade", a arte actua como uma fresta que se abre e encoraja o pensamento crítico despertando uma nova compreensão e visão do mundo. 

Nesta exposição, Patrícia Magalhães trabalha sobre um manuscrito iluminado datado de 1189 intitulado "Comentário ao Apocalipse de Lorvão". Este livro, contemporâneo da fundação de Portugal (1143) é considerado a materialização da passagem do Mundo Antigo para o Medieval. Magalhães associa esta transição com a era contemporânea, na qual uma nova transição, uma nova rutura, está em curso. Se na época do "Comentário ao Apocalipse de Lorvão" a ideia de verdade era inquestionável (era divina), hoje a 'verdade' é questionada e manipulada diariamente, à vista de todos.

Transversal a todas as épocas, a ideia de verdade é sempre invariavelmente associada a narrativas de poder. 

Numa prática marcada pela pesquisa e investigação, Patrícia Magalhães redesenha as iluminuras do "Comentário ao Apocalipse de Lorvão", retirando-lhes toda a figuração e mantendo apenas os arranjos gráficos (o fundo). Sobre esta abstração, Magalhães sugere que novos códigos, novas construções sobre a realidade, possam ser escritos e imaginados.

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"We know that the line separating fact and fiction is increasingly blurred. The concept of "post-truth" argues that subjectivity and personal convictions often override objective reality. Post-truth does not advocate the non-existence of 'truth,' but rather proposes that it is secondary or irrelevant in (political and media) power strategies. Patrícia Magalhães' project explores and reflects on this idea of ​​the construction of truth, questioning whether truth is an impossibility, and whether it exists only as personal perspectives and interpretations. Art is precisely the place where it is possible to unmask and question the concept of truth, and in doing so, open new possibilities for understanding the world and reinterpreting the past. By destabilizing what was once unequivocally considered "truth," art acts as a crack that opens and encourages critical thinking, awakening a new understanding and vision of the world."

In this exhibition, Patrícia Magalhães works with an illuminated manuscript dated 1189 entitled "Commentary on the Lorvão Apocalypse." This book, contemporary with the founding of Portugal (1143), is considered the materialization of the transition from the Ancient World to the Medieval World. Magalhães associates this transition with the contemporary era, in which a new transition, a new rupture, is underway. If at the time of the "Commentary on the Lorvão Apocalypse" the idea of ​​truth was unquestionable (it was divine), today 'truth' is questioned and manipulated daily, in plain sight.

Transversal to all eras, the idea of ​​truth is always invariably associated with narratives of power.

In a practice marked by research and investigation, Patrícia Magalhães redesigns the illuminations of the "Commentary on the Apocalypse of Lorvão," removing all figuration and maintaining only the graphic arrangements (the background). Regarding this abstraction, Magalhães suggests that new codes, new constructions about reality, can be written and imagined.

Filipa Olivieira

Curadora e Programadora de Artes Visuais da Câmara Municipal de Almada e Direcção artística da Casa da Cerca, Galeria Municipal de Almada e Convento dos Capuchos / Curator and Programmer of Visual Arts for the Almada City Council and Artistic Director of Casa da Cerca, Almada Municipal Gallery and Capuchos Convent.

2024 - por ocasião da exposição "Pós-Verdade" no Convento dos Capuchos / on the occasion of the exhibition "Post-Truth"at Convento dos Capuchos.

“Acredito que a arte é a única forma de atividade em que o ser humano, enquanto humano, se manifesta como um verdadeiro indivíduo e consegue ultrapassar o estádio animal, porque a arte é um território que abarca regiões que não são governadas pelo espaço e pelo tempo. Viver é crer.” Marcel Duchamp

A exposição Crer para Ver, de Patrícia Magalhães, tem como matéria fundadora o tempo e as respetivas metamorfoses. Na sua diversidade, as obras que a compõem começam por ativar nos espectadores um sentido participativo e lúdico na descoberta do território visual da artista, gradualmente convidando-os a uma atitude mais contemplativa, numa viagem pelo eixo cristalográfico da memória.

Esta polaridade é, também, constitutiva do corpo de trabalho que aqui se apresenta, oscilando entre o peso e a leveza, a solidez e a fragilidade, o uno e o múltiplo, o masculino e o feminino, o Yin e o Yang, a anima e o animus, o visível e o invisível, num todo que reflete as antinomias do humano e propõe uma visão subtil da realidade, na qual os extremos, ou os opostos, se tocam e atraem. Nesse sentido, Patrícia Magalhães entrega-se, nesta exposição, a um exercício de recombinação de arquétipos, que são (re)projetados no nosso imaginário, através de uma variedade de propostas visuais verdadeiramente interpelantes.

Composta por trabalhos tão díspares como desenhos, objetos ou instalações, a evidente diversidade formal conflui num gesto essencial, em que o invisível é tornado visível, uma alquimia propiciada pela apresentação de obras dotadas ora de um simbolismo fecundo, ora de sentidos mais enigmáticos. Por isso, há no âmago desta exposição um profundo impulso espiritual, onde se procura, de modo mais ou menos oblíquo, numa viagem por múltiplas formas reveladoras de grande maturidade e singularidade da artista, a manifestação da essência do ser humano na sua efemeridade, mas também no seu desejo de infinito.

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“I believe that art is the only form of activity in which the human being, as a human being, manifests himself as a true individual and manages to transcend the animal stage, because art is a territory that encompasses regions not governed by space and time. To live is to believe.” Marcel Duchamp

The exhibition "Believe to See", by Patrícia Magalhães, has as its founding subject time and its respective metamorphoses. In their diversity, the works that compose it begin by activating in the viewers a participatory and playful sense in the discovery of the artist's visual territory, gradually inviting them to a more contemplative attitude, in a journey through the crystallographic axis of memory.

This polarity is also constitutive of the body of work presented here, oscillating between weight and lightness, solidity and fragility, the one and the many, the masculine and the feminine, Yin and Yang, anima and animus, the visible and the invisible, in a whole that reflects the antinomies of the human and proposes a subtle vision of reality, in which extremes, or opposites, touch and attract each other. In this sense, Patrícia Magalhães engages, in this exhibition, in an exercise of recombining archetypes, which are (re)projected into our imagination through a variety of truly engaging visual proposals.

Composed of works as disparate as drawings, objects, and installations, the evident formal diversity converges in an essential gesture, in which the invisible is made visible—an alchemy facilitated by the presentation of works endowed sometimes with a fertile symbolism, sometimes with more enigmatic meanings. Therefore, at the heart of this exhibition lies a profound spiritual impulse, where, in a more or less oblique way, a journey through multiple forms revealing the artist's great maturity and singularity seeks to manifest the essence of the human being in its ephemerality, but also in its desire for the infinite.

Ricardo Castro Ferreira

Integra a 'Miguel Castro - Art Advisor', projeto editorial e curatorial / He is part of 'Miguel Castro - Art Advisor', an editorial and curatorial project. (https://www.instagram.com/miguelcastro_artadvisor/)

2024 - por ocasião da exposição "Crer para Ver" na Casa da Cultura de Elvas / on the occasion of the exhibition "Believe to See" at Casa da Cultura de Elvas.

Existem duas maneiras de abordar a materialidade do mundo/das coisas. Rodeando-as ou entrando nelas. Patrícia Magalhães escolhe entrar nas coisas, opta por penetrar na duração da matéria e não conhecê-la propriamente. Desta forma, faz voltar a consciência para a duração interior do “eu profundo”, esse lugar onde cada facto interpenetra outro facto. Nesta sua exposição “distensão da alma”, a artista procura a realidade das coisas fora do que se move, muda e fora dos nossos sentidos e do que a consciência percebe. A realidade que lhe interessa é a movente e a memória que visa é a persistente. Em ambas encontra a revelação, o intervalo, a duração…a diferença naquilo que se repete. No conjunto das suas obras podemos perceber uma estética da inexistência ou, de outra forma, uma estética do tempo reversível; contrária ao tempo que depende do movimento e em que o próprio ser do tempo é irreversível: tempo da degradação. Na realidade, Patrícia Magalhães quer libertar-se do tempo que caminha para a degradação e mergulhar num tempo-criação. Para haver tempo é necessário que haja movimento: blocos de espaço-tempo. Sempre que nós pensamos o tempo ― invariavelmente ― nós pensamos o tempo como sendo uma sucessão: alguma coisa que começa no passado; vem para o presente; e vai para o futuro. Sucessão é sinónimo de movimento. No plano da realidade quotidiana as dimensões do tempo passado, presente e futuro são muito fáceis de entender. Entendemos o tempo como se fosse uma sucessão. A sua passagem é regida pela lei da irreversibilidade, ou seja, sendo irreversível, ele só se movimenta para a frente. Deixa assim de haver retorno, quer dizer, o que foi não volta mais. O presente é sempre um "tempo-perdido", uma perda de nós próprios e dos que nos pertencem... A possibilidade que haveria de salvar este tempo que se perdeu é esgotada num momento anterior. O tempo trás consigo algo de ontologicamente sacrificial...de doloroso, numa dupla amplitude: como sofrimento do mundo e como intensificação da sua experiência.

Patrícia Magalhães ao aventurar-se num tempo-criação acaba por encontrar o seu problema/tema: se o tempo está intimamente ligado ao movimento, então libertar o tempo é vencer a degradação, entenda-se a morte (de si e da obra). O que a artista coloca nas suas obras são as vibrações do tempo e do pensamento: o tempo e o pensamento a vibrar. Não tem como questão representar aquilo que observa, mas libertar o invisível da natureza – e esse invisível são as forças do tempo e as forças do pensamento. Neste processo, o tempo vai perder a regularidade ao separar-se do movimento e libertar-se no sentido de ganhar pensamento. Para a artista pensar é sinónimo de conquista de tempo na arte e contrário ao senso-comum que vive na lógica da sucessão (repetição sem criação).  É pois na Durée que o pensamento tem a possibilidade de se libertar do movimento. Nesse intervalo que se quer longo a criação e a obra de Patrícia sobressai. Nesse pequeno intervalo  preenchido por afetos-memória/forças intemporais, a artista, mais do que tentar perceber o mundo, torna-se vidente, pois ao querer conhecer a duração das coisas, vai ver o que outros não vêem e assim tocar o fundo do tempo para nelas (coisas) entrar. Deste modo, ocorre um conjunto de obras que são pura memória actualizada, reinterpretação – subjectividade autentica…persistir no existir da memória feita em Obra. É, pois necessário organizar a nossa subjectividade pois todo aquele que tem o poder sobre o tempo torna a sua vida bela.   

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There are two ways to approach the materiality of the world/things: by circling them or by entering into them. Patrícia Magalhães chooses to enter into things, opting to penetrate the duration of matter rather than properly knowing it. In this way, she turns consciousness back to the inner duration of the "deep self," that place where each fact interpenetrates another. In her exhibition "Distension of the Soul," the artist seeks the reality of things outside of what moves, changes, and beyond our senses and what consciousness perceives. The reality that interests her is the moving one, and the memory she aims for is the persistent one. In both, she finds revelation, interval, duration…the difference in what repeats itself. In her body of work, we can perceive an aesthetic of non-existence or, in other words, an aesthetic of reversible time; contrary to time that depends on movement and in which the very being of time is irreversible: the time of degradation. In reality, Patrícia Magalhães wants to free herself from time that moves towards degradation and immerse herself in a time-creation. For there to be time, there must be movement: blocks of space-time. Whenever we think of time—invariably—we think of time as a succession: something that begins in the past; comes to the present; and goes to the future. Succession is synonymous with movement. In the realm of everyday reality, the dimensions of past, present, and future time are very easy to understand. We understand time as if it were a succession. Its passage is governed by the law of irreversibility; that is, being irreversible, it only moves forward. Thus, there is no return; what has been is gone forever. The present is always "lost time," a loss of ourselves and those who belong to us... The possibility of saving this lost time is exhausted in a previous moment. Time carries with it something ontologically sacrificial... something painful, in a twofold sense: as the suffering of the world and as an intensification of its experience.

In venturing into a time-creation process, Patrícia Magalhães ends up finding her problem/theme: if time is intimately linked to movement, then liberating time is overcoming degradation, understood as death (of oneself and of the work). What the artist places in her works are the vibrations of time and thought: time and thought vibrating. Her aim is not to represent what she observes, but to liberate the invisible from nature – and this invisible force is the forces of time and the forces of thought. In this process, time loses its regularity by separating itself from movement and liberating itself in order to gain thought. For the artist, thinking is synonymous with conquering time in art and contrary to the common sense that lives in the logic of succession (repetition without creation). It is therefore in Duration that thought has the possibility of freeing itself from movement. In this interval, which is intended to be long, Patricia's creation and work stand out. In this small interval filled with affects—memory/timeless forces—the artist, more than trying to understand the world, becomes a seer, because in wanting to know the duration of things, she will see what others do not see and thus touch the bottom of time to enter into them (things). In this way, a set of works emerges that are pure updated memory, reinterpretation—authentic subjectivity…persisting in the existence of memory made into Work. It is therefore necessary to organize our subjectivity because whoever has power over time makes their life beautiful.

Pedro Miguel Arrifano

Doutorado em História da Arte Contemporânea e investigador do CHAM – NOVA FCSH. Licenciado e Mestre em Filosofia nas áreas específicas de ética, estética e religião / PhD in Contemporary Art History and researcher at CHAM – NOVA FCSH. Bachelor's and Master's degrees in Philosophy, specializing in ethics, aesthetics, and religion.

2022 - por ocasião da exposição "Distensão da Alma" no Espaço Cultural das Mercês / on the occasion of the exhibition "Distensão da Alma" at the Espaço Cultural das Mercês.

O ecletismo convocado pelas obras de Patrícia Magalhães que recebem os visitantes d’A BASE representa a súmula das diferentes abordagens que a artista tem explorado no seu percurso. A solidez do alfabeto que institui para construir estas palavras soltas - que são obras plenas de caráter - atesta a amplitude de recursos convidados , bem como a intensa fogueira criativa de onde crepitam estas fagulhas: desenhos, figuras, palavras, organismos do mundo animal, fotografias rasuradas, olhares mascarados e o excesso revertido em formas lineares. Há desenhos a espreitar, da mais orientada e objetiva lisura, até uma erosão das tiras que nos dão restos do processo central na pintura da artista; resto, para lá da erosão, a criação através do excedente, uma idílica perseguição das formas até ao limite. Lembrando, claro, que na arte, ainda não foi encontrado um limite, um fim necessário. Aquele que é o mistério da arte e que suscita interesse por ver e por criar, é uma fonte inesgotável e ininterrupta. Esta janela aberta para as guinadas estilísticas, numa rota de curvas e contra-curvas, permite o espectador ver - não so a variedade, mas também o processo de obras recentes; e portanto, terreno em que o solo ainda está convulso e a poeira a assentar. Quantas vão a partir daqui surgir? Uma, várias, mil? A arte trans-histórica, modela o mundo, e nestes tempos que apelidam de ‘fim’ - mas que nunca ocorre - mantém-se sagrada, perdura, como sempre sobreviveu aos escombros. 

A escala cria, não apenas espaços expositivos inusitados como o topo das ombreiras, mas também importa a forma que existirá sempre, seja abstrata ou realista, definida pela proporção, ritmo, escala, textura, volume entre outros. A rugosidade da textura contrasta com a formalidade da linha recta nas tiras reaproveitadas, corolário da incessante vontade de explorar e viver em toda a extensão aquilo que é ser artista enquanto modelador de formas e criador de sensações. Por um lado, os desenhos de pequena escala suprem a necessidade de imediato que a atualidade tolda, por outro, quanto maior a dimensão física, mais distintas e profundas são as criações que Patrícia Magalhães revela. Isto conquista-se com a agudez (‘agudeza’) defendida por Baltasar Gracián em 1647, onde o máximo de significado está compactado no mínimo de forma ou estilo.

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The eclecticism evoked by Patrícia Magalhães' works that greet visitors at A BASE represents a summary of the different approaches the artist has explored throughout her career. The solidity of the alphabet she establishes to construct these loose words – which are works full of character – attests to the breadth of resources used, as well as the intense creative fire from which these sparks crackle: drawings, figures, words, organisms from the animal world, erased photographs, masked gazes, and excess reversed into linear forms. There are drawings peeking out, from the most oriented and objective smoothness, to an erosion of the strips that give us remnants of the central process in the artist's painting; remnants, beyond erosion, of creation through surplus, an idyllic pursuit of forms to the limit. Remembering, of course, that in art, a limit, a necessary end, has not yet been found. That which is the mystery of art and which arouses interest in seeing and creating, is an inexhaustible and uninterrupted source. This window, open to stylistic shifts, on a route of twists and turns, allows the viewer to see – not only the variety, but also the process of recent works; and therefore, terrain where the ground is still turbulent and the dust is settling. How many will emerge from here? One, several, a thousand? Transhistorical art shapes the world, and in these times that they call the ‘end’ – but which never occur – it remains sacred, it endures, as it has always survived the rubble.

Scale creates not only unusual exhibition spaces like the tops of door jambs, but also implies a form that will always exist, whether abstract or realistic, defined by proportion, rhythm, scale, texture, volume, and other factors. The roughness of the texture contrasts with the formality of the straight line in the repurposed strips, a corollary of the incessant desire to explore and fully experience what it means to be an artist as a shaper of forms and creator of sensations. On the one hand, small-scale drawings fulfill the immediate needs that current trends obscure; on the other hand, the larger the physical dimension, the more distinct and profound the creations that Patrícia Magalhães reveals. This is achieved with the sharpness advocated by Baltasar Gracián in 1647, where the maximum meaning is compacted into the minimum of form or style.

Miguel Meruje

Doutorado em História da Arte Contemporânea e investigador do CHAM – NOVA FCSH. Licenciado e Mestre em Filosofia nas áreas específicas de ética, estética e religião / PhD in Contemporary Art History and researcher at CHAM – NOVA FCSH. Bachelor's and Master's degrees in Philosophy, specializing in ethics, aesthetics, and religion.

2022 - por ocasião da exposição "Um, ninguém e cem mil" n'A BASE / on the occasion of the exhibition "One, a thousand, a hundred thousand" at A BASE.